Por Francisco A. Casanova S

Stanley Kubrick filmó solo 13 películas en casi 50 años de carrera artística, y 8 de ellas son consideradas obras maestras en su respectivo género. Nació el 26 de julio de 1928 en Nueva York, en el distrito del Bronx, y tuvo una infancia acomodada. Su padre, que era aficionado a la fotografía, le regala a Stanley cuando tenía 13 años, una cámara fotográfica, y esto le cambió la vida. En abril de 1945, a la edad de 17 años, le envía a la revista Look, una foto cuya imagen era un encargado de un kiosko de prensa, llorando por el titular de un periódico anunciando el fallecimiento del presidente Franklin Delano Roosevelt. A partir de ahí, comienza a trabajar para Look y desarrolla sus otras 2 aficiones, que junto con la fotografía le acompañarán toda la vida: el ajedrez y el jazz, y ese trípode lo marcara en toda su obra. En Nueva York, asistía frecuentemente al cine Loew's Paradise, al Museo de Arte Moderno y jugaba ajedrez en Washington Square; De la fotografía pasa a realizar documentales cortos, en 1951 “Day of theFight” y “Flying Padre” y en 1953 rueda su primer largometraje “Fear and Desire” que trata de Cuatro soldados atrapados tras las líneas enemigas y enfrentan sus miedos y deseos. En 1955 realiza “Killerskiss” y es en 1956 cuando escribe y dirige “TheKilling”, su primera gran película y una de las fundamentales del cine negro, y en la cual recrea de manera magistral un robo a un hipódromo. En “TheKilling” ya Kubrick comienza a trabajar con actores rankeados en Hollywood como SterlingHayden y Elisha Cook Jr. Gracias a esta película, Kirk Douglas se fija en él, y juntos, producción y dirección, llevan a cabo en 1957, una obra maestra del cine antibélico, “Paths of Glory”. Con actores de la calidad de Kirk Douglas, Ralph Meeker, AdolpheMenjou y George Macready, Kubrick muestra su dominio en el manejo de actores; de los diálogos, como coguionista, en la cinematografía y diseño de producción con una detallada y extraordinaria descripción de las trincheras; y con el manejo de cámaras a través de un plano secuencia inolvidable que inspiro a Sam Mendes en “1917”. Ya empiezan a verse rasgos de la personalidad de Kubrick: obsesivo en los detalles y la perfección, infatigable trabajador, estricto pero afectivo. Durante la filmación de Paths of Glory en Múnich, a principios de 1957, Kubrick conoció a la actriz alemana ChristianeHarlan, que luego obtendría un pequeño (aunque significativo) papel en esta película. Se casaron en 1958 y además de su hijastra, tuvieron dos hijas juntos. En 1960, con Kirk Douglas, producción y dirección hacen y estrenan, “Espartaco”, obra maestra del género épico y donde a sus 32 años de edad, no tuvo ningún temor de dirigir a Laurence Olivier, Charles Laughton, y Peter Ustinov. 2 años después, en 1962, realiza “Lolita” basada en una novela de Vladimir Nabokov y con la cual genera una gran controversia debido al contenido relacionado con la hebefilia. Kubrick sustituyó la lujuria y deseo que el profesor sentía por Lolita en la novela de Nabokov, por amor, evitando así la menor injerencia posible de la censura. La película tiene un excelente trabajo actoral de James Mason, Shelley Winters, Sue Lyon y Peter Sellers, así como un excelente manejo del blanco y negro y fue nominada para mejor director en los Globos de Oro y en el festival de Venecia en 1962

En 1964, Stanley Kubrick filmaotraobramaestra, “Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb”. Una despiadada sátira política sobre la guerra fría y el riesgo nuclear, basada en la novela de Peter George, Red Alert, que no era un relato cómico, pero cuyo tono Kubrick cambió para conseguir verosimilitud. Aunque en un principio pretendía abordar de manera directa la novela sobre la Guerra Fría y la posibilidad de un conflicto atómico, a medida que se iba documentando encontraba aspectos cada vez más hilarantes y esperpénticos sobre la estrategia nuclear de ambos bloques, de manera que decidió realizar una comedia de humor negro conforme a las partes más ligeras del libro. El guion narra como en un acceso de locura del general Ripper, interpretado por Sterling Hayden que ordena a varios bombarderos intercontinentales estadounidenses B-52 atacar objetivos en suelo ruso y el presidente de EEUU (Peter Sellers) desde el “warroom” trata de detener el ataque, mientras mantiene conversaciones con el Premier de la URSS. En esta película destacan las extraordinarias actuaciones de Peter Sellers (personificando tres roles), George C.Scott, Sterling Hayden y Slim Pickens, los diálogos entre los líderes de EEUU y la URSS, los ambiciosos escenarios, muy adelantados a la época (la sala de guerra, la base militar, y el interior del bombardero), el zoom en las tomas de los actores, el blanco y negro, las tomas del ejercito entrando en la base aérea filmadas como un documental de guerra. Fue nominada para cuatro premios Oscar, mejor película, mejor actor principal, mejor director, y mejor guion.

En 1968 Kubrick alcanzaría el cénit de su carrera con “2001: una odisea en el espacio” (2001: A SpaceOdyssey), otra obra maestra y con la cual divide el género de ciencia ficción, en antes y después de Kubrick, quien con esta película demuestra su condición de visionario. George Lukas y Ridley Scott consideran que fue la revolución del género, mientras que Steven Spielberg la llamo el “Big Bang” de su generación. Para la época que se filmó, la ciencia ficción se nutría de los comics, y sus protagonistas eran robots, alienígenas y platillos voladores. Kubrick cambia todo ello y a través de una historia, según la cual tras descubrir un misterioso artefacto (monolito) enterrado bajo la superficie lunar, la humanidad se embarca en la búsqueda de sus orígenes con la ayuda de la supercomputadora inteligente H.A.L. 9000. El guion lo escribió con Arthur C. Clarke. Kubrick desarrolla el relato habiendo llevado a cabo un trabajo de investigación científica, consultas a expertos de la NASA y creación de maquetas y un simulador. El minimalismo de su cinematografía rompe por completo con los decorados barrocos inspirados en la literatura de Julio Verne. Los efectos especiales dieron un salto tan espectacular, que hoy en día, 52 años después de filmada, siguen teniendo la misma frescura de 1968 e influenciaron al cine de ciencia ficción hasta nuestros días. Otro aporte fundamental de “2001 odisea……” es la unión de música y escena. A partir de Kubrick, la música en el cine se convierte en parte esencial de la narrativa y no se usa solo de adorno o para resaltar emociones. En “2001 odisea……”, en la escena inicial en que el Sol aparece encima de La Tierra, el fondo musical es el poema sinfónico “Así habló Zaratustra” de Richard Strauss, asociando la primera aparición de la conciencia del hombre en el universo. Luego combina el Danubio Azul de Johann Strauss con las naves espaciales en órbita, en un vals galáctico y en la escena de los simios utiliza música del húngaro György Ligeti, todo con una gran sincronización y creando un maridaje entre música y escena. Además de la música, Kubrick crea una de las secuencias más creativas, imaginativas y legendarias de la historia del Cine y es cuando en el amanecer de la humanidad un grupo de simios usando huesos como armas, un hueso es golpeado y se levanta en el aire, de repente el hueso se transforma en el espacio en una nave espacial de tamaño y forma similares. Es la transición perfecta para mostrar la evolución del hombre. La histórica secuencia de la puerta estelar “stargate”, fue trabajada con la colaboración de Douglas Trumbull y se buscaba mostrar el tránsito a otra dimensión, para lo cual se usó cámara de lapso de tiempo con una combinación de luz y movimiento, para lograr el efecto. Kubrick toca diversos temas en la cinta, como la inteligencia, la soledad, la muerte, la evolución, la inmortalidad, la auto-reflexión, la inteligencia artificial, que hacen del trabajo un motivo continuo de reflexión. “2001 odisea……” fue estrenada un año antes de la llegada del hombre a la Luna. La película tuvo cuatro nominaciones a los premios Oscar, mejores efectos visuales, mejor director, mejor guion, y mejor dirección artística, ganando Kubrick el de mejor efectos visuales.

Su novena película estrenada en 1972, “La Naranja Mecánica”, basada en un libro de Anthony Burgess, desarrolla la historia en el Reino Unido en un futuro distópico marcado por la violencia y el autoritarismo. El protagonista, Alex (Malcolm McDowell), lidera una banda de jóvenes marginales que esparce el caos a través de actos de violencia injustificados. Alex, tras haber sido juzgado y condenado a prisión por sus acciones, acepta someterse a un tratamiento psiquiátrico llamado Ludovico a fin de reducir el tiempo de la condena, tratamiento en fase experimental. Al explorar cuestiones sociales y políticas intemporales, la naranja mecánica reflexiona sobre temas como la delincuencia juvenil, la psiquiatría, el libre albedrío y la corrupción moral de las autoridades. Es una película perturbadora y repleta de imágenes crudas de violencia, donde se exploran temas extremos, minuciosamente, y diseccionando la conducta destructiva y presentando una sombría visión de la naturaleza humana. Kubrick decía que es una sátira social que reflexiona sobre los maleficios del condicionamiento psicológico en las manos de un gobierno autoritario que tiene la oportunidad de formar las mentes de sus ciudadanos. A pesar de su polémica, se ha convertido en una película de culto aclamada por el público y la crítica y es una de sus obras icónicas. Fue nominada a 4 premios Oscar: Mejor Película, Dirección, Guion y Edición.

En 1975, estrena otra obra maestra, “Barry Lindon” del género histórico y drama, basada en una novela picaresca, satírica, de William Makepeace Thackera y publicada en 1844 sobre un irlandés caza fortunas que busca ascender socialmente en el contexto de la Guerra de los Siete Años. Sus protagonistas fueron Ryan O‘Neal, Marisa Berenson, Leonard Rossiter y Patrick Magee, como parte de un memorable casting. Filmada en Inglaterra e Irlanda es una auténtica gema de la cinematografía, del diseño de producción e iluminación. Es un espectáculo visual imponente. Kubrick recreo la Inglaterra del siglo XVIII, sus paisajes, sus costumbres, su vestuario, investigando minuciosamente las pinturas, libros y documentos de la época para buscar localizaciones, crear objetos, coches y el vestuario que fue confeccionado usando como modelo ropa de aquel siglo, siguiendo las técnicas de costura que se emplearon originalmente y contratando a 35 sastres que trabajaron durante 6 meses. Pidió a su diseñadora de vestuario visitar las casas de subastas para ver los vestidos de la época. Compro cámaras MITCHELL BNC, por la estabilidad de su mecanismo que proporcionaba imágenes muy nítidas y las modifico para incorporar los lentes que la empresa Carl Zeiss había manufacturado especialmente para la fotografía satelital de la NASA y gracias a ello logro filmar un número considerable de secuencias sin usar luz eléctrica. La fotografía estuvo a cargo de John Alcott y se destaca especialmente por la iluminación hecha con velas y, cuando fue estrictamente necesario, un uso de la iluminación artificial que sin embargo imitaba la de las velas. Kubrick estaba empeñado en no reproducir la artificialidad de otras películas de época. Además de ser potencialmente más realistas, estos métodos le dieron un aspecto particular a la película, similar al de las pinturas del siglo XVIII. La iluminación no solo dio el aspecto de luz natural que entraba por las ventanas de las antiguas locaciones: también protegió los lugares históricos del daño causado por el montaje y el calor de las luces en paredes o techos. Kubrick partía de un principio básico visual para el espectador, él decía que “Porque es la manera en la que vemos las cosas. Siempre he intentado iluminar mis filmes de tal manera que simulen la luz natural; durante el día, usando las ventanas para iluminar el set, y en las noches, las luces que ves en el set”. De nuevo Kubrick juega con la música y las imágenes, creando un maridaje perfecto entre composiciones de Schubert, Bach, Mozart, Vivaldi, con las miradas y acciones de los actores y en especial de Ryan O‘Neal, Marisa Berenson, y Murray Melvin. Barry Lindon ganó cuatro premios Óscar: Mejor Dirección Artística, Mejor Fotografía, Mejor Vestuario y Mejor Banda Sonora, y fue nominada también a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion Adaptado.

En 1980, Kubrick vuelve con otra obra maestra, esta vez del género de terror “The Shining” o “El resplandor", basada en la novela de Stephen King y tanto la novela como el filme cuentan la historia de Jack Torrance, un escritor en apuros y alcohólico, su esposa y su pequeño hijo Danny. Los tres se mudan al imponente Hotel Overlook, en un aislado retiro montañoso. Jack ha sido contratado como cuidador del lugar mientras está cerrado por el invierno. Esta protagonizada por Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, y Scatman Crothers, Desde el principio se sabe que algo se está fraguando. Que algo vendrá, creando un gran suspenso. De nuevo Kubrick hace aportes técnicos importantes a la técnica cinematográfica, optimizando el uso del steadicam (invento de Garret Brown) cuyo objetivo era sustituir la inestabilidad y las vibraciones de la cámara al hombro.

Sin embargo, la intención de Garrett Brown cuando la inventó era más simple: solo sustituir la inestabilidad de la cámara al hombro. Kubrick logra que el steadicam simule el movimiento y el ojo humano, es una técnica realista; la cámara al hombro no tanto, por su inestabilidad. Para la generación del suspenso Stanley Kubrick, utiliza el steadicam y como ejemplo, el plano de Danny recorriendo los pasillos del hotel en su triciclo, la angustia crece con cada pedaleo y como no hay cortes la tensión no se dispersa. Estar pegado a la espalda del niño nos coloca en el lugar del personaje y la otra gran escena es la persecución en el laberinto. Secuencias milimétricas que evidencian la obsesión de Kubrick con la tecnología de vanguardia para canalizar las emociones más primarias. El resplandor está llena de experimentos con el Steadicam. La cámara sigue a los personajes por el hotel sugiriendo la presencia de fantasmas y acrecienta la tensión de la persecución en el laberinto de hielo. Kubrick encuentra que las persecuciones filmadas con Steadicam son más emocionantes que las filmadas con cámara al hombro (como hasta entonces se habían realizado tanto en el cine como en las series de televisión). Adicionalmente al steadicam, utilizo la técnica de cámara del punto de fuga, según el cual el objeto más lejano de la escena está en el centro del cuadro y su ejemplo destacado son las mellizas que se encuentra Danny al final del pasillo, en su paseo en triciclo. A pesar de la enormidad de los espacios, (Nicholson jugando con una pelota en el hall del hotel) transmitió la sensación de que los personajes estaban siempre enmarcados, encerrados en un entorno sin posibilidad de huida, en el que lo sobrenatural ocurría fuera de campo hasta que irrumpía de golpe en la escena. De nuevo Kubrick juega con la banda sonora principalmente con temas de György Ligeti, Krzysztof Penderecki y BélaBartók. Su editor de música, Gordon Stainforth, la sincronizo con la imagen en un trabajo, minucioso y de impecable precisión, dando como resultado una de las bandas sonoras más vanguardistas de la historia. El resplandor está cumpliendo cuarenta años y mantiene intacto su magnetismo. La fascinación que provoca ha generado una mitomanía a las que pocas películas se acercan, permaneciendo en el inconsciente colectivo y convirtiéndose en parte indisoluble de la cultura pop. El resplandor ha conseguido trascender. Por su capacidad de generar multitud de discursos y, sobre todo, por un motivo básico y rotundo: todavía asusta. La causa puede desgranarse en mil detalles, pero se resume en su capacidad de estimular miedos primarios. Miedos ocultos en el laberinto de nuestra mente. Un laberinto donde aún reverbera el sonido de un triciclo recorriendo los pasillos. (Antonio Seron).

Los últimos 2 films de Kubrick fueron Full Metal Jacket (1987) y Eyes Wide Shut (1999). En Full Metal Jacket vuelve a tocar el tema bélico, esta vez la Guerra de Vietnam y nuevamente es una adaptación de una novela. En este caso es Gustav Hasford y su libro The Short-Timers. La película tiene dos partes claramente diferenciadas: la preparación de los soldados en la base de Marines de Parris Island en Carolina del Sur, Estados Unidos y la guerra en sí, ubicada en la ciudad vietnamita de Huế. La película es protagonizada por Matthew Modine, Vincent D'Onofrio, Adam Baldwin y Lee Ermey. La música fue escrita por Abigail Mead, un alias que utilizó Vivian Kubrick, empleando un sintetizador. Para las canciones, Kubrick recurre a las listas de éxitos del periodo 1962 – 1968, incluyendo éxitos de Johnny Wright, The Rolling Stones, Nancy Sinatra, The Trashmen, entre otros. A pesar de que el filme se estrenó poco después del hit Platoon (1986) de Oliver Stone, obtuvo buenas críticas y buena taquilla durante su exhibición. Su última película Eyes Wide Shut (1999), basada en la novela Relato soñado, de Arthur Schnitzler, que había elogiado años antes. La historia original está situada en la Viena del siglo XIX pero la película se ubica en la Nueva York de finales de siglo XX, narrando la vida una pareja de neoyorquinos de clase alta que viven aparentemente una feliz vida en común, pero que los sueños y fantasías manifestados en un momento de intimidad empiezan a desestabilizar su relación. La película contó con una pareja en la vida real de las estrellas de Hollywood de aquel momento, Tom Cruise y Nicole Kidman, como los Harford, contando con Sydney Pollack y Marie Richardson como roles secundarios. La película es un despliegue del habitual virtuosismo de Kubrick para filmar y componer, jugando intensamente con los colores y la luz, especialmente la artificial para reforzar ciertas sensaciones,

Stanley Kubrick, no fue solo director de películas, fue un cineasta completo, productor, guionista, camarógrafo, editor, técnico de sonido y efectos especiales. Un auténtico visionario y cuyo talento le permitió que la Warner Brothers, le respetara su enorme independencia creativa al tener el control total sobre sus cintas, a nivel técnico y sobre todo artístico, incluso de distribución. Incursionó en varios géneros del cine al realizar 4 películas bélicas, 2 policiacas, 2 de ciencia ficción, 2 dramas de época, 1 de terror y 1 de pareja e intimidad. Lamentablemente no pudo realizar su gran sueño de hacer una película de Napoleón, para lo cual ya tenía todo el material y había hecho una profunda investigación histórica, pero los financistas no lo apoyaron.

Su último Proyecto fue A.I. Artificial Intelligence (2001) con Steven Spielberg, pero el 7 de marzo de 1999, cuatro días después de una sesión privada para su familia y actores de su último filme, Eyes Wide Shut, Stanley Kubrick murió de un ataque cardiaco mientras dormía; tenía 70 años. Fue enterrado junto a su árbol favorito en los terrenos de su hermosa residencia de Childwickbury Manor, en el condado de Hertfordshire (Reino Unido).

Kubrick fue uno de los directores más influyentes en la historia del cine. Sin estudios formales de cine, participó en cada etapa de la producción de una cinta, aprendiendo las técnicas y el oficio, llegando a aportar innovadores procedimientos técnicos (efectos especiales, sistema de filmación, nuevas cámaras, focos, luces y lentes) y narrativos que le permitieron a la industria en general avanzar varios años. Otro aporte donde fue decisivo fue en el empleo de la banda sonora en las cintas que dirigió, anticipándose a varias tendencias, incorporando tanto la enciclopédica revisión de la música perteneciente a la época en la que se ambientaba la película de turno, así como también emplear los aportes de la electrónica cuando esta se aplicaba mayormente en el campo experimental. Kubrick revolucionó la forma en la que la música y el sonido, interactúan, complementan y unifican, las imágenes.

Un tema final podría ser su obsesión con los detalles y la calidad del producto. Pocos directores hicieron de esto un tema mayor: entender el filme como acto de aprendizaje extremo del entorno del personaje, sobre la base de una sólida investigación que llevó, junto a su perfeccionismo, a dilatar sus rodajes y aumentar el aura mítica que proyectaba en la prensa. Kubrick inspiró a directores como Martin Scorsese, Steven Spielberg, James Cameron, Woody Allen, Terry Gilliam, los HermanosCoen, Ridley Scott, Christopher Nolan y George A. Romero.

Orson Welles comentó: «Entre los que yo llamaría "la generación joven", Kubrick me parece un gigante».